Haben Sie schon einmal mit einer Hand in der Hüfte und einem trotzigen Gesichtsausdruck posiert und ein Zeitschriftenfoto imitiert? Oder ist Ihnen aufgefallen, wie bestimmte Logos und Marken verwendet werden, um einen bestimmten Status oder eine Zugehörigkeit zu vermitteln? Auch wenn Sie es nicht wissen, könnten Sie direkt aus dem Brunnen der Moda BallsaalDie LGBTQ+-Gemeinschaft ist eine lebendige und kraftvolle Kultur, die aus der Kreativität, Widerstandsfähigkeit und Notwendigkeit der afroamerikanischen und lateinamerikanischen LGBTQ+-Gemeinschaft entstanden ist.

 

Weit davon entfernt, nur Kleidung zu sein, sind die Moda Ballsaal ist Performance, ist Identität, ist auserwählte Familie und ist eine kühne Antwort auf eine Welt, die ihre Schöpfer in der Vergangenheit ausgegrenzt und abgelehnt hat. Dank legendärer Dokumentarfilme wie ‚Paris Is Burning‘ (1990) und hochgelobte Serien wie ‚Pose‘ (erschienen 2018) hat diese Underground-Kultur globale Sichtbarkeit erlangt.

Doch sein Einfluss geht weit über den Bildschirm hinaus. In diesem Artikel erkunden wir die faszinierende queere Modegeschichte des Ballsaals werden wir seine ästhetischen Codes entschlüsseln – von der voguing bis Echtheit– und wir werden seine tiefen und oft uneingestandenen LGBTQ-Einfluss auf die Mode in den Trends, die wir heute tragen, von Streetwear bis Haute Couture.

Was ist Ballroom Culture und warum wurde sie gegründet?

Die Ballroom-Kultur entstand vor allem in Harlem, New York, als wichtiger Zufluchtsort für LGBTQ+-Gemeinschaften, insbesondere Afroamerikaner und Latinos, die aufgrund ihrer Ethnie und ihrer Geschlechtsidentität oder sexuellen Orientierung doppelt diskriminiert wurden (und werden). Obwohl seine Wurzeln weiter zurückreichen, erlebte er ab den 1970er und 1980er Jahren eine starke Blütezeit.

Das Herzstück dieser Kultur sind die Casas de Ballroom (Häuser). Es handelt sich dabei nicht um Gebäude, sondern um auserwählte Familien – wie das legendäre Haus von Xtravaganza, das Haus von Ninja, das Haus von LaBeija -, die ihren Mitgliedern Unterstützung, Betreuung und ein Gefühl der Zugehörigkeit bieten ( „hijos“ ). Diese Häuser konkurrieren miteinander in der Bälle (Tänze oder Wettbewerbe).

Los Bälle sind spektakuläre Veranstaltungen, bei denen die Teilnehmer „caminan“ (konkurrieren) in verschiedenen Ballsaal-Kategorien. Sie werden nicht nur nach ihrer Kleidung beurteilt, sondern auch nach ihrer Haltung, nach ihrer Fähigkeit, eine Fantasie oder einen Archetyp zu verkörpern (Echtheit), und seine Beherrschung von Tanzstilen wie dem voguing. Es war (und ist) ein Raum zum Träumen, um sichtbar zu sein, die eigene Identität zu feiern und Haute Couture und Fantasie zu kreieren, oft mit sehr begrenzten Mitteln.

Dechiffrierung der Codes: Kategorien und Ästhetik des Ballsaals

Entender la Moda Ballsaal erfordert einen Einblick in einige seiner emblematischsten Kategorien:

Realness: Die Meisterschaft der Nachahmung

Vielleicht eine der komplexesten und bedeutendsten Kategorien. Das Ziel der Echtheit es „pasar“ so überzeugend wie möglich durch einen bestimmten Archetyp der heteronormativen und oft privilegierten Gesellschaft. Kategorien wie Executive Realness (Exekutive), Schuljunge/Mädchen Realness (Student), Thug Realness (bad boy) nicht einfach nachahmen, sondern die Beherrschung der Geschlechter- und Klassenperformance als Überlebensstrategie und sozialer Kommentar demonstrieren.

• Fashion Connection: Sie erfordert eine obsessive Aufmerksamkeit für Details: den perfekten Schnitt, die richtigen Accessoires, die richtige Einstellung. Die Verwendung von erkennbaren Logos und Markennamen als Zeichen der Authentizität für „vender“ die Figur hat deutliche Anklänge an die spätere Logomanie in der Mainstream-Mode.

Voguing: Mehr als ein Tanz, eine Haltung

Geboren in der cultura Ballsaaldie vogue (o voguing) ist ein Tanzstil, der sich durch kantige, geradlinige Posen auszeichnet, die denen von Models in Modemagazinen nachempfunden sind (daher der Name, nach der Zeitschrift Vogue). Er hat sich in verschiedenen Formen entwickelt: Alter Weg (sauberer und präziser), Neuer Weg (Verrenkungen und Flexibilität) und Vogue Fem (Fluidität, Dramatik, mit Elementen wie dem duckwalk oder die dip).

• Fashion Connection: El Vogue-Mode hat die Modefotografie, Laufsteg- und Editorial-Model-Posen und die Popkultur stark beeinflusst (Madonna machte es mit ihrem Song „Vogue“ und die Choreographie von Ballroom-Legenden für seine Blonde Ambition Tour, oft mit Kostümen von Jean Paul Gaultier).

Extravaganz und Kreativität: Fantasie wird Wirklichkeit

Kategorien wie Fantasie, Futuristisch, Startbahn o Benutzerdefiniert ermöglichen ein Höchstmaß an kreativem Ausdruck. Die Teilnehmerinnen und Teilnehmer kreieren aufwändige Kostüme und Performances, oft aus recycelten oder unerwarteten Materialien, und erschaffen auf dem Laufsteg des Balls wahre Fantasien.

• Fashion Connection: Dieser Geist der „hacer algo de la nada“ Die Theatralik und Charakterbildung hat die Avantgarde-Designer inspiriert und ist ein Grundpfeiler der Drag-Ästhetik, die wiederum die Mode beeinflusst.

 

Der unbestreitbare Einfluss: Ballroom-Mode im 21. Jahrhundert

Das ästhetische Erbe des Ballsaals ist allgegenwärtig, auch wenn seine Ursprünge nicht immer erkannt werden.

Vom Underground zum Mainstream: ‚Pose‘ und globale Sichtbarkeit

Die Serie ‚Pose‘ (geschaffen von Ryan Murphy, Brad Falchuk und Steven Canals) war ein Meilenstein. Sie erzählte nicht nur die Geschichten von Charakteren, die von echten Ballroom-Figuren aus den 80er und 90er Jahren inspiriert waren, sondern klärte auch ein Massenpublikum über den Reichtum, die Komplexität und die Bedeutung dieser Kultur auf. Neben dem Dokumentarfilm ‚Paris Is Burning‘ war der Schlüssel zum Verständnis der LGBTQ-Einfluss auf die Mode die von dieser Szene ausgehen.

Inspirierte Designer (und Tribute)

• Telfar Clemens: Schwarze und queere Designerin, deren kultige Tasche ( „The Bushwick Birkin“ ) ist ein zugängliches, gemeinschaftsbezogenes Statussymbol geworden, das bestimmte Ballroom-Werte widerspiegelt. Sein Motto „Not for you, for everyone“ steht im Einklang mit der Idee, integrative Räume zu schaffen.
• Jean Paul Gaultier: Historisch gesehen ist er einer der Haute-Couture-Designer, die am offensten für die Einbeziehung von Queer-Ästhetik, Voguing und subkulturellen Einflüssen in seine Shows sind.
• Rick Owens: Obwohl sein Stil dunkler ist, erinnern die Theatralik seiner Shows und die Auswahl der verschiedenen Modelle manchmal an die performative Energie des Ballsaals.
• Straßenkleidung: Viele Trends – von der strategischen Verwendung von Logos über bestimmte Silhouetten bis hin zur Art und Weise, wie wir Accessoires tragen – haben ihre Wurzeln in der Art und Weise, wie die Ballroom-Teilnehmer die Mode neu interpretierten und sich aneigneten.

Voguing in Verlagen und Kampagnen

Die kantigen Posen, die Hände, die das Gesicht umrahmen, die dramatischen Stürze? Die Körpersprache des Vogue-Mode ist heute ein Standardmerkmal in der Modefotografie und Werbung. Selten wird jedoch ausdrücklich darauf hingewiesen, dass es seinen Ursprung in der cultura Ballsaal vogue.

Anerkennung und Rechenschaftspflicht: Jenseits des Trends

Es ist wichtig zu verstehen, dass die Moda Ballsaal ist nicht nur eine Quelle für coole Trends. Sie ist eine queere Modegeschichte des Überlebens, der Kreativität und der Gemeinschaft im Angesicht systemischer Widrigkeiten (Rassismus, Homophobie, Transphobie, Armut, HIV/AIDS).

Daher ist es wichtig, Elemente dieser Ästhetik zu bewundern oder zu übernehmen:

• Kreditquelle: Erkennen und benennen Sie die Gemeinschaften (hauptsächlich LGBTQ+ Afroamerikaner und Latino) und die Pioniere, die diese Kultur geschaffen haben.
• Vermeidung von leerer kultureller Aneignung: Verstehen Sie den historischen und sozialen Kontext. Es geht nicht nur darum, einen Look zu kopieren, sondern seine ursprüngliche Bedeutung zu respektieren.
• Unterstützung aktueller Queer Creators: Suche und Unterstützung von LGBTQ+ Künstlern, Designern und Performern, insbesondere von rassifizierten Künstlern, die das Erbe des Ballroom heute fortführen.

 

La Moda Ballsaal ist viel mehr als Pailletten und dramatische Posen. Es ist ein Zeugnis für die Macht des Stils als Mittel der Selbstbehauptung, der Gemeinschaft und des Widerstands. Ihre LGBTQ-Einfluss auf die Mode hat die Populärkultur und die Modeindustrie auf tiefgreifende und dauerhafte Weise beeinflusst, von der Art und Weise, wie wir die Echtheit und Authentizität bis hin zur Körpersprache des Sprechers Vogue-Mode.

Bei der Betrachtung der aktuellen Trends sollten wir uns an diese reichen queere Modegeschichte. Lassen Sie uns die Kreativität und Widerstandsfähigkeit derer, die sie geschaffen haben, würdigen und uns verpflichten, mit ihrem Erbe sachkundig, respektvoll und verantwortungsbewusst umzugehen.

Wir ermutigen Sie zu beobachten ‚Pose‘ y ‚Paris Is Burning‘ Wenn Sie es noch nicht getan haben, sollten Sie mehr über die legendären Häuser recherchieren und die queeren Talente unterstützen, die auch heute noch Geschichte schreiben. Welchen Aspekt der Ballroom-Kultur finden Sie am faszinierendsten? Teilen Sie Ihre Gedanken in den Kommentaren mit!