Vous est-il déjà arrivé de poser, la main sur la hanche et l’air défiant, en imitant une photo de magazine ? Ou avez-vous remarqué comment certains logos et marques sont utilisés pour projeter un statut ou une appartenance spécifique ? Même si vous ne le savez pas, vous êtes peut-être en train de boire directement à la source de l’image de marque. Salle de bal ModaLa communauté LGBTQ+, une culture vibrante et puissante née de la créativité, de la résilience et de la nécessité des communautés LGBTQ+ afro-américaines et latino-américaines.

 

Loin d’être de simples vêtements, les Salle de bal Moda est une performance, une identité, une famille choisie et une réponse audacieuse à un monde qui a historiquement marginalisé et rejeté ses créateurs. Grâce à des documentaires emblématiques tels que ‘Paris Is Burning’ (1990) et des séries acclamées telles que ‘Pose’ (sorti en 2018), cette culture underground a acquis une visibilité mondiale.

Mais son influence va bien au-delà de l’écran. Dans cet article, nous explorons les fascinantes histoire de la mode queer de la salle de bal, nous décrypterons ses codes esthétiques – de la voguing jusqu’à réalité– et nous retracerons son histoire profonde et souvent méconnue. LGBTQ influence la mode dans les tendances que nous portons aujourd’hui, du streetwear à la haute couture.

Qu’est-ce que la culture de salon et pourquoi est-elle née ?

La culture de salon est apparue principalement à Harlem, à New York, comme un refuge vital pour les communautés LGBTQ+, en particulier les Afro-Américains et les Latinos, qui subissaient (et subissent encore) une double discrimination en raison de leur race et de leur identité de genre ou orientation sexuelle. Bien que ses racines soient plus anciennes, elle s’est fortement développée à partir des années 1970 et 1980.

Au cœur de cette culture se trouvent les Casas de Ballroom (Maisons). Il ne s’agit pas de bâtiments, mais de familles choisies – telles que la légendaire Maison de Xtravaganza, la Maison de Ninja, la Maison de LaBeija – qui offrent à leurs membres un soutien, un mentorat et un sentiment d’appartenance ( « hijos » ). Ces maisons sont en concurrence les unes avec les autres sur le marché de l’emploi. Balles (danses ou compétitions).

Los Balles sont des événements spectaculaires au cours desquels les participants « caminan » (concourir) dans divers catégories de salles de bal. Ils sont jugés non seulement sur leur tenue vestimentaire, mais aussi sur leur attitude, leur capacité à incarner un fantasme ou un archétype (réalité), et sa maîtrise de styles de danse tels que le voguing. C’était (et c’est toujours) un espace pour rêver, pour être visible, pour célébrer sa propre identité et pour créer de la haute couture et de la fantaisie, souvent avec des ressources très limitées.

Déchiffrer les codes : catégories et esthétique des salles de bal

Entendre la Salle de bal Moda nécessite un aperçu de certaines de ses catégories les plus emblématiques :

La réalité : la maîtrise de l’imitation

Il s’agit peut-être de l’une des catégories les plus complexes et les plus importantes. L’objectif de la réalité es « pasar » de manière aussi convaincante que possible par un archétype spécifique de la société hétéronormative et souvent privilégiée. Des catégories telles que La réalité des cadres (exécutif), La réalité de l’écolier et de la fille (étudiant), La réalité des voyous (mauvais garçon) ne cherchait pas simplement à imiter, mais à démontrer sa maîtrise des performances de genre et de classe comme stratégie de survie et commentaire social.

• Fashion Connection : Elle exige une attention obsessionnelle aux détails : la coupe parfaite, les bons accessoires, la bonne attitude. L’utilisation de logos et de noms de marques reconnaissables en tant qu’éléments d’authenticité pour les vêtements de sport et les vêtements de sport est une pratique courante. « vender » le personnage a des échos évidents dans la logomanie qui s’est manifestée plus tard dans la mode grand public.

Le voguing : plus qu’une danse, une attitude

Née dans la salle de bal culturales vogue (o voguing) est un style de danse caractérisé par des poses angulaires et linéaires qui imitent celles des mannequins des magazines de mode (d’où son nom, d’après le magazine Vogue). Il a évolué sous différentes formes : Ancienne voie (plus propre et plus précis), Nouvelle voie (contorsions et flexibilité) et Vogue Fem (fluidité, drame, avec des éléments tels que la marche des canards ou le trempette).

• Fashion Connection : El mode voguing a grandement influencé la photographie de mode, les poses de mannequins pour les défilés et les éditoriaux, ainsi que la culture pop (Madonna l’a popularisé dans le monde entier avec sa chanson « Vogue » et chorégraphie des légendes de la salle de bal pour sa tournée Blonde Ambition, souvent avec des costumes de Jean Paul Gaultier).

Extravagance et créativité : la fantaisie devenue réalité

Les catégories telles que Fantaisie, Futuriste, Défilé o Sur mesure permettent une expression créative maximale. Les participants créent des costumes et des spectacles élaborés, souvent à partir de matériaux recyclés ou inattendus, construisant ainsi de véritables fantasmes sur le podium du bal.

• Fashion Connection : Cet esprit de « hacer algo de la nada » La théâtralité et la construction de personnages ont inspiré les créateurs d’avant-garde et constituent un pilier de l’esthétique Drag, qui influence à son tour la mode.

 

L’influence indéniable : la mode de la danse de salon au 21e siècle

L’héritage esthétique de la salle de bal est partout, même si ses origines ne sont pas toujours reconnues.

De l’Underground au Mainstream : ‘Pose’ et visibilité mondiale

La série ‘Pose’ (créée par Ryan Murphy, Brad Falchuk et Steven Canals) a fait date. Non seulement elle racontait l’histoire de personnages inspirés de véritables figures de la danse de salon des années 80 et 90, mais elle sensibilisait un large public à la richesse, à la complexité et à l’importance de cette culture. Parallèlement au documentaire ‘Paris Is Burning’ a joué un rôle clé dans la compréhension de la LGBTQ influence la mode provenant de cette scène.

Designers inspirés (et hommages)

• Telfar Clemens : Le designer noir et homosexuel dont le sac emblématique ( « The Bushwick Birkin » ) est devenu un symbole de statut accessible, basé sur la communauté, qui reflète certaines valeurs de la salle de bal. Sa devise « Not for you, for everyone » résonne avec l’idée de créer des espaces inclusifs.
• Jean Paul Gaultier: Historiquement, l’un des créateurs de haute couture les plus ouverts à l’intégration de l’esthétique queer, du voguing et des influences subculturelles dans ses défilés.
• Rick Owens : Bien que son style soit plus sombre, la théâtralité de ses spectacles et le choix de modèles variés évoquent parfois l’énergie performative de la salle de bal.
• Streetwear : De nombreuses tendances – de l’utilisation stratégique de logos à certaines silhouettes en passant par la façon dont nous portons les accessoires – trouvent leur origine dans la façon dont les participants au bal ont réinterprété et se sont approprié la mode.

Le voguing chez les éditeurs et dans les campagnes

Les poses anguleuses, les mains qui encadrent le visage, les chutes dramatiques ? Le langage corporel du mode voguing est aujourd’hui une caractéristique standard de la photographie de mode et de la publicité. Cependant, il est rare qu’on lui attribue explicitement son origine dans l’industrie de la mode. cultura ballroom vogue.

Reconnaissance et responsabilité : au-delà de la tendance

Il est essentiel de comprendre que le Salle de bal Moda n’est pas seulement une source de tendances. C’est un histoire de la mode queer de survie, de créativité et de communauté face à l’adversité systémique (racisme, homophobie, transphobie, pauvreté, VIH/sida).

Il est donc important d’admirer ou d’adopter des éléments de cette esthétique :

• Source de crédit : Reconnaître et nommer les communautés (principalement LGBTQ+ afro-américaines et latinos) et les pionniers qui ont créé cette culture.
• Éviter l’appropriation culturelle vide : Comprendre le contexte historique et social. Il ne s’agit pas seulement de copier un look, mais de respecter sa signification originale.
• Soutenir les créateurs queer actuels : Rechercher et soutenir les artistes, concepteurs et interprètes LGBTQ+, en particulier ceux qui sont racisés, qui perpétuent aujourd’hui l’héritage du Ballroom.

 

La Salle de bal Moda est bien plus que des paillettes et des poses spectaculaires. C’est un témoignage du pouvoir du style en tant qu’outil d’affirmation, de communauté et de résistance. Elle LGBTQ influence la mode a imprégné la culture populaire et l’industrie de la mode de manière profonde et durable, qu’il s’agisse de la façon dont nous comprenons la réalité et l’authenticité jusqu’au langage corporel de la personne. mode voguing.

Alors que nous examinons les tendances actuelles, rappelons-nous cette riche expérience. histoire de la mode queer. Apprécions la créativité et la résilience de ceux qui l’ont forgé et engageons-nous à interagir avec leur héritage de manière informée, respectueuse et responsable.

Nous vous encourageons à regarder ‘Pose’ y ‘Paris Is Burning’ Si vous ne l’avez pas encore fait, faites des recherches sur ces maisons légendaires et soutenez les talents queer qui continuent à faire l’histoire aujourd’hui. Quel aspect de la culture Ballroom trouvez-vous le plus fascinant ? Partagez vos idées dans les commentaires !